Ogni maledetto venerdì

Avian ha scritto:hehe bel trio, ci dovremmo mettere in società 

Avian ha scritto:Per cause di forza maggiore la rubrica va in pausa per due settimane, riprendiamo venerdì 10 dicembre 

Avian ha scritto:

Sugarsmack – Top Loader (Invisible, 1993)

Nello scorso appuntamento abbiamo parlato dello slo-core, di come si sia imposto sui vecchi generi in crisi, psichedelia e progressive in primis, in virtù di un fenomeno complesso come quello dei costumi sociali in continuo divenire. Siamo sempre nei primi anni ’90: da un lato abbiamo il moto “industriale”, che preme e fagocita tutto quello che gli capita a tiro, dall’altro persiste uno sperimentalismo che non vuole e non può (per fortuna) mollare, adattandosi ai tempi. Nello slo-core, in particolare, si è trattato di uno sperimentalismo espressionista, del quale non solo i maschietti si sono resi protagonisti.

Il passo successivo, in questo gioco dell’oca, è il fox-core, per certi versi più divertente e libero (a parità di anno), quasi sempre festoso, ma non meno violento del compare dai cromosomi XY.   

Chiamare in causa Hope Nicholls, con la sua ciurma ben addestrata, apre un parco di divertimenti che difficilmente si riesce a trovare altrove (nel genere): funky, hip-hop, heavymetal, sono le attrazioni di un carnevale eversivo, con cenni d’avanguardia.

“Top Loader” è un album spettacolare per la sua compattezza innovativa. Va oltre il mero punk delle “Babes In Toyland”. Prendiamo, ad esempio, la traccia “Swindle”: un blues-rock da valle dei vampiri, con un rintocco di chitarra che ti farebbe ondeggiare dal tramonto all’alba, se non fosse che dura “solo” 5 minuti.

Hope Nicholls è una Patti Smith arrabbiata al cubo, una streghetta che incuterebbe timore persino a Joan Jett. I suoi registri sono davvero eterogenei: li modula a piacimento, e quando parte è un tour de force.

La prima jam, “Hey Buddy Boy”, si dimena in un boogie sensuale. Le chitarre singhiozzano e distorcono, accompagnando un cicalare che da solo lascia intuire il rap a venire della Nicholls, nella successiva “Boomerang”.  

Mentre “B.L.A.S.T.” ci scaglia nella matrix meccanizzata, ad alto dosaggio di trick industriali, “Bring On The Ufo’s” ci mette in guardia dagli alieni, col solito duetto chitarristico scalmanato.  

“Pokey” mostra il lato da ragazzina della cantante. È una traccia acutissima, che mischia danze rituali, una inaspettata voce maschile ammiccante, e tutta la forza propulsiva dei folksinger.

“Seven Seas” rappresenta il ponte (teniamolo a mente, che poi il concetto va ripreso) con la vecchia psichedelia. Una pausa disorganica, indice di una metamorfosi in atto, o forse già compiuta.

Momenti thriller, parentesi di thrash house e veemenze alla Fugazi li troviamo invece rispettivamente in “Baby Snake Eyes”, “Freak” e “Pissed Off”.

Le scampagnate canore di Nicholls sono pari a quelle delle rhythm-box più indiavolate. È il canto del fox-core, piaccia o non piaccia, e qui non sbaglia di una virgola.

Edizioni:
Non credo siano state fatte rimasterizzazioni, pertanto dobbiamo basarci sull’unica edizione Invisible del ’93, che tra l’altro è quella presente nei vari servizi di streaming.
Il dr non lascia dubbi circa la bontà dell’incisione: 12, 14, 13, 12, 13, 12, 12, 11, 12, 13, 13.

Track Listing

	Sample		Title/Composer	Performer	Time	Stream
		1	Hey Buddy Boy Sugarsmack	Sugarsmack	03:21	Spotify Amazon
		2	Boomerang Sugarsmack	Sugarsmack	02:33	Spotify Amazon
		3	B.L.A.S.T. Martin Atkins / Sugarsmack / Mark Walk	Sugarsmack	02:13	Spotify Amazon
		4	Bring on the UFOs Sugarsmack	Sugarsmack	04:03	Spotify Amazon
		5	Pokey Sugarsmack	Sugarsmack	03:05	Spotify Amazon
		6	Seven Seas Sugarsmack	Sugarsmack	05:37	Spotify Amazon
		7	Swindle Sugarsmack	Sugarsmack	04:54	Spotify Amazon
		8	Pissed Off Sugarsmack	Sugarsmack	02:29	Spotify Amazon
		9	Freak Martin Atkins / Sugarsmack / Mark Walk	Sugarsmack	04:26	Spotify Amazon
		10	Baby Snake Eyes Sugarsmack	Sugarsmack	06:56	Spotify Amazon
		11	My Monster Sugarsmack	Sugarsmack	03:25	Spotify Amazon

 
 


Gravitar – Now The Road Of Knives (Charnel, 1997)

S’è accennato in precedenza a un ipotetico ponte, ma verso cosa? Una domanda sensata perché se la bozza di mosaico, in questi giorni proposta, voglia per forza di cose seguire una linea temporale, allora altro non si potrebbe affermare che l’evoluzione di tutto ciò che ci siamo detti sia stata il gotico. Un genere di non facile inquadramento, anche in ambito letterario.

Primi anni ’90: in Michigan s’aggirava indisturbata una band sconosciuta ai più, abbastanza misteriosa. L’aveva sentita qualche addetto ai lavori durante alcuni live di stremante improvvisazione. I pochi temerari erano dovuti addirittura scappare via per il fracasso. “C'è stata una volta alla Green Room di Ypsilanti dove il tecnico del suono ci ha misurato a 116 decibel mentre stavamo provando", raccontò una volta Geoff Walker, uno dei chitarristi. “Siamo stati grandi quella notte. Abbiamo eliminato completamente il pubblico. Pensavo se ne fossero andati perché non piacessimo, ma quando siamo usciti nella notte, Jay Heikes (che ha realizzato la copertina di Now the Road of Knives) disse: ‘È stato fantastico!’ Io gli risposi che non aveva sentito niente perché se n’era andato. E lui: 'No! Eravamo tutti qui ad ascoltare! Era troppo rumoroso lì dentro, dovevamo uscire, ma suonavi alla grande.'”

Il resto della band era composta da Harold Richardson (l’altra chitarra) ed Eric Cook (batteria). Richardson non è però presente in quest’album (il terzo in ordine discografico). Venne sostituito da Michael Walker, il fratello di Geoff.

Stando a quanto si dice in giro, le prove venivano effettuate in ripostigli dalle pareti metalliche, vuoti, tre metri per dieci. Cook una volta ammise che non era certo di che tipo di danno causassero all’orecchio le loro “prove”.

Si tratta pertanto di solo rumore? No, è lo stato dell’arte del free jazz, che tende la mano alla psichedelia, e da qui giunge al gothic.

L’opera è quasi interamente strumentale. Scavare qui dentro è pericoloso: ci trovi percussioni a perdifiato (disumane), riff magnetici, dub distorto, interludi riflessivi, eruzioni bollenti di Kosmische e un efferato, quanto sconsiderato, uso di delay, pedali fuzz e whammy, come mai si sia sentito in quest’ambito.

Siamo per caso davanti all’ “ecocardiogramma” di un incubo? Eppure in quest’album, ad essere pignoli, non c’è improvvisazione. I ragazzi sono andati in studio stavolta. Il sound è meticolosamente editato, anche se non sembra. Moltiplicate la velocità dei Chrome per due. Immaginate Jimi Hendrix quadruplicarsi. Il risultato è il caos, perché solo i cavalieri dell’apocalisse potremmo aspettarci con i 14 minuti di “Real II”. È musica “assoluta”, che prende forza da se stessa e la risputa ad altissimo voltaggio. Della melodia, a quei tre, interessa poco. Addentano gli arrangiamenti e ci giocano, esasperandoli.

Non a caso inaugurammo questa rubrica con i Neu! Ricordate il “motorik beat”? Con i Gravitar assistiamo alle sue estreme conseguenze. Stavolta ci ha messo lo zampino Warren Defever, mago dell’elettro-acustica, che li ha aiutati nel definire il loro abisso sonoro. La sofisticazione, a mio avviso, c’è, ma non si vede. Per Michael Walker era eccitante scatenare l’inferno: un Ade sintetizzato, i cui anfratti sono percorsi da sibili, esplosioni e squarci di riff concatenati in buchi neri. È solo l’inizio.

“Leelanau” è la metafisica del riff, dell’orgia percussiva. In verità sono le stesse leggi della fisica a cedere di fronte alla batteria marziale di Cook. Il clarinetto poi ci pone l’ennesimo interrogativo: il caos stesso può essere melodia?

Le tracce senza titolo colgono i tentativi dadaisti dell’opera, ma il momento più intenso, o spaventoso se vogliamo, va rintracciato in “Catadrone”, il loro nadir, o zenit, dipende dai punti di vista.

Buon bombardamento!

Edizioni:
Anche qui, non dovrebbero esserci state rimasterizzazioni. Il dr della first press Charnel del '97 rispecchia quanto abbiamo detto: 9, 7, 11, 7, 9, 6, 7, 9, 8, 10, 7, 10, 10, 5, 11, ma alzate il volume, ne vale la pena.

Track Listing

 

Sample		Title/Composer	Performer	Time	Stream
	1	Meloy	Gravitar	04:01
	2	Real II	Gravitar	14:23	Amazon
	3	Leelanau	Gravitar	09:11	Amazon
	4	[Untitled Track]	Gravitar	01:28	Amazon
	5	Nellcotte	Gravitar	04:50	Amazon
	6	[Untitled Track]	Gravitar	00:52	Amazon
	7	Catadrone	Gravitar	05:17	Amazon
	8	[Untitled Track]	Gravitar	00:33	Amazon
	9	I Know	Gravitar	08:13	Amazon
	10	Brain Circus	Gravitar	03:44	Amazon
	11	G's Dub	Gravitar	01:23	Amazon
	12	[Untitled Track]	Gravitar	01:26	Amazon
	13	Sleep Not With Those Ugly Shakes, But Steal the Diamond Form Her Sha	Gravitar	02:47	Amazon
	14	Christmas Only Comes Once, Ever	Gravitar	03:11	Amazon
	15	+LEE+19357-039	Gravitar	10:38	Amazon

Avian ha scritto:Ragazzi perdonate la lunga assenza. Venerdì prossimo riprende la rubrica 

Avian ha scritto:



Seam – The Problem With Me (Touch & Go, 1993)


Per chi è incline a quel lirismo languido di alcune produzioni dei primi anni ‘90, zuccherato d’angoscia e in piena combustione, lo slo-core è il genere da cui stare lontani. Ti prende l’anima, la testa, e tutto quello che c’è in mezzo. L’impasto melodico è in grado di cullarti teneramente e, al tempo stesso, di farti prendere quota fino ad altezze che non pensavi esistessero nemmeno.


Le spirali di Jackson Pollock, i suoi movimenti, ben sintetizzano a mio avviso la musica di cui stiamo parlando.




 
Nelle opere del pittore americano non esistono i margini perché in fondo non bastano. Ciò che conta è il soggetto, o meglio, la sua esplosione cromatica. Il “drip painting” allora, e per farla breve, è un mezzo per il fine: quello di assistere indenni alla deflagrazione di un ordigno. È questa la “distruzione dell’immagine” di Pollock. Ascoltando i Seam, il risultato è il medesimo: è come sedersi davanti a una bomba e vederla detonare a rallentatore. Le loro melodie partono sempre lente, avvolgenti. Sono dissonanze anemiche pronte a “liberarsi”, a tramutarsi in vera e propria dinamite, in un secondo.


Nell’album “The Problem With Me”, di quel super-trio originario (Lexi Mitchell, basso; Mac McCaughan, batteria; Sooyoung Park, chitarra e canto) proveniente dalla Carolina del Nord, rimase solo Park (il cantante dei Bitch Magnet tra l’altro) e qualche suo assistente.


Le tracce:
1. Rafael
2. Bunch
3. Road To Madrid
4. Stage 2000
5. Sweet Pea
6. Dust And Turpentine
7. Something's Burning
8. The Wild Cat
9. Autopilot


Non esistono punti deboli. “Road To Madrid”, “Dust And Turpentine” e “The Wild Cat” sono ballate acid per nostalgici, elegie proto-emo con spruzzate di “maionese” alla Smashing Pumpkins, per intenderci (ma l’ispirazione non sta qui).


Il canto di Park è puntualmente trattenuto, sussurrato, anche quando gli accordi si fanno veramente strani durante i raptus distorsivi.
Forse questo disco è la confessione dell’indie-rock tutto, di ciò che nacque con i Codeine e i Galaxie 500, aggiornando così Marc Bolan, Stooges e Black Sabbath al tempo dei Jane’s Addiction.


Tim Buckley, sono certo, li avrebbe adorati.


Edizioni:
Siamo in quelle situazioni dove il dr non conta nulla. Touch & Go americana del 1993: 10, 9, 11, 10, 10, 9, 9, 10, 10. C’è di peggio. Che io sappia non sono state fatte rimasterizzazioni.





Codeine – Frigid Stars (SubPop, 1991)


S’era accennato prima dove stesse l’ispirazione dei Seam, col rischio di ripetermi, ma facciamo ordine.


Louisville (Kentucky), 1989: scende sulla terra un buco nero chiamato “Tweez”. Si scopre essere stato partorito qualche anno prima da Brian McMahan, Britt Walford, Ethan Buckler e David Pajo. Sono gli Slint, con lo zampino malefico di Steve Albini. Il risultato fu la fagocitazione di un po’ di tutto: progressive, punk, free jazz e acid. La scorpacciata, sappiamo, terminò con “Spiderland”, un capolavoro d’avanguardia che meriterebbe capitoli a parte.


New York, 1989 e poi Chicago: nascono i Codeine, ma esordirono solo nel 1990, e non fu una coincidenza. Mi è sempre piaciuto pensare che siano spuntati fuori proprio da quella voragine musicalmente controtempo di “Tweez”. Era perciò in atto, mi si dirà, uno svolgimento drammatico dei vecchi generi, a partire dal progressive. Che si trattasse di musica concettuale non c’erano dubbi, ma per andare “fuori”, appunto, dai generi essa doveva farsi rumorosa e nervosa, continuamente in discussione con se stessa. Ancora: l’acid-rock, nella sua forma classica, stava ormai stretto a molti. Bisognava allargarne gli spazi, riversandoci dentro il dolore e gli autori disposti a farlo, di certo, non mancarono (pensiamo per un attimo a Kurt Cobain, al suo grunge inca… arrabbiato).


Con Frigid Stars, il registro degli orrori è completo:
1. D 
2. GravelBed
3. Pickup Song
4. New Year's 
5. Second Chance
6. Cave-in
7. Cigarette Machine
8. Old Things
9. 3 Angels
10.Pea


È possibile che solo adesso si comprenda quella similitudine con le opere di Pollock.


“Rallentiamo per disfarci, grandiosamente”, questa l’arguzia del disco. La ferita non va nascosta, ma sublimata. Se chiudessimo gli occhi durante “New Year’s” potrebbe addirittura apparire davanti a noi il fantasma della sacerdotessa Nico, a rivelarci i misteri dell’ “underground”. Ci desterebbe in un baleno il rullante di “Cave-in, prima di precipitarci di nuovo nel silenzio. La chicca sta nel fatto che “New Year’s” sia in realtà una cover di un brano scritto in collaborazione proprio con Sooyoung Park dei Seam, il quale la fa comparire nel ’92 (l’anno dopo) nell’album Headsparks.


Nella tragedia, come da tradizione greca, non manca l’epicità: “Pickup Song” e “Old Things”, per una manciata di minuti, riescono a elevarsi in riff portentosi e taglienti, nonostante i colpi pesantissimi della batteria. Gli schemi adottati sono tanto puri quanto schietta è la concezione nichilista del ‘900. La melodia resta un orpello.
Frigid Stars è pervaso da un fatalismo invincibile. I Codeine filano lo stame della vita, come novelli Cloto, tra un battito sordo e uno austero, legati da quel destino al quale sarebbe opportuno andare contro, ma non vi riescono, perché in realtà non vogliono.


Edizioni:
Nonostante il genere lasci presupporre il contrario, qui il dr del cd SubPop del 1991 può dirsi ottimo: 14, 14, 10, 15, 12, 12, 13, 11, 12, 8. Nel 2012, sempre su licenza SubPop, è uscita in USA, sotto etichetta “The Numero Group”, una ristampa estesa con doppio vinile e cd, ma il master è lo stesso. In questa edizione troviamo, tra le varie demo, la traccia “Summer Dresses”, con la presenza di Park.

Pinve ha scritto:
Riemergo dalle "mie nebbie" seguendo il filo che stai tirando per noi, che uso come traccia su percorsi musicali che non ho mai percorso.
Sto sentendo i SEAN... ed è vero, quel velo di tristezza di fondo ti pervade e diventa irresistibile.
E' quasi lo stesso che sento con i LOW, anche se siamo in posti diversi, atmosfere diverse...

bello! 
Grazie !

Fra ha scritto:Al solito, è un piacere leggere queste recensioni!

Camelia ha scritto:
@Avian :  finché ce la faccio.... prossime settimane probabile che sarò scostante... che poi tutti aspettano te in post, non me che sono un "optional" !

Avian ha scritto:

Camelia ha scritto:
@Avian :  finché ce la faccio.... prossime settimane probabile che sarò scostante... che poi tutti aspettano te in post, non me che sono un "optional" !

Si fa quel che si può, tranquilla 

Ah io non sto più inserendo l'elenco delle tracce da allmusic con i link perché non entra più in termini di spazio. Non so, forse i moderatori hanno diminuito il numero massimo di caratteri per ogni post.